Мастер-класс с видео Как нарисовать быстрый пейзаж в японском стиле в технике двойного мазка

Как нарисовать быстрый пейзаж в японском стиле в технике двойного мазка

Предлагаю вам пошаговую инструкцию, как нарисовать быстрый пейзаж в японском стиле в технике двойного мазка, поверхность — любая, на которой удобно рисовать. В случае декорирования какой-то вещи, нужна будет подготовка поверхности соответствующим способом. За качество фото прошу меня простить — снимала на телефон, при чём не на самый лучший)

Простой пейзаж гуашью «Солнце Японии» (eng sub) Simple gouache landscape «Sun of Japan»

  1. Рабочая поверхность, на которую будем наносить рисунок. В данном случае это простой лист пастельной бумаги синего цвета, но, как я уже писала, поверхность может быть любая подходящая.
  2. Акриловые краски, желательно не слишком густые, с хорошей плотностью цвета, хорошо подойдут крастки серии FolkArt (Plaid).
  3. Синтетические кисти — плоская, круглая, веерная и тонкие для прорисовки деталей и уточняющих моментов. Номера кистей следует подбирать пропорционально той вещи, с которой мы работаем. Скажем, для миниатюрной шкатулки и панно на стену размером 2х3 м потребуются совершенно разные кисти.
  4. Если работаем с твёрдыми поверхностями, такими, как дерево, или загрунтованное стекло, не лишним будет использовать финишный лак, подойдёт любой.

1. Намечаем гладь воды и линию горизонта, движения кисти желательны параллельно краю листа, иначе, как говорят фотографы, горизонт будет завален.

2. При помощи классического приёма «двойной мазок» намечаем линию берега, начиная с дальнего плана и заканчивая передним. Для тех, кто забыл — основной приём техники «двойной мазок» заключается в том, что на плоскую кисть набираются с двух сторон две контрастные краски, после чего делается несколько мажущих движений по палитре, чтобы сгладить резкий переход одной краски в другую.

Продвижение творческого контента в соцсетях без вложений. Кристина Макеева (Академия re:Store)

3. Мягкими движениями круглой кисти намечаем силуэт ствола дерева. Очень хорошо будет смотреться сочетание нескольких оттенков одного цвета и линий разной ширины.

4. При помощи жёсткой веерной кисти резкими гладящими движениями намечаем крону, сразу прикидывая, какой объём она занимает и какой формы она будет.

5. При помощи тонкой кисти прорисовываем более тонки ветки, уточняем абрис кроны дерева.

6. Добавляем детали и финальные штрихи — луну, блики на воде, отражения, отблеск луны в кроне, траву, птиц, бабочек, медитирующих будд — что захотим:)

Рисунки в японском стиле для начинающих – Картины в японском стиле своими руками: живопись и объем

Картины в японском стиле. Как нарисовать картину в японском стиле?

Японская живопись — одно из древнейших направлений в искусстве. Живопись в Японии появилась в самый древний период истории страны. На гончарных изделиях и прочих предметах быта можно встретить самые простые изображения геометрических фигур и различных узоров. Однако, с приходом в страну китайской культуры, произведения японских художников все более и более стали содержать элементы живописи страны Конфуция.

Одним из самых впечатляющих и колоритных направлений японской живописи является пейзаж. Японские художники не придавали особенного значения реалистичности композиции. Главным для них являлась передача впечатлений от созерцаемого ими величия природы.

Как нарисовать картину в японском стиле?

Японский пейзаж можно изображать обыкновенными акварельными красками. Для закрашивания необходимо использовать больше воды, а для прорисовывания отдельных деталей добавлять больше краски.

Для того, чтобы приступить к работе, вам понадобится картон или акварельная бумага, простой карандаш, ластик, пастельные мелки и, конечно же, акварель.

  • Начните с карандашного наброска. Для этого изобразите контуры будущей картины на листе с помощью простого карандаша. Следите за тем, чтобы лини были очень мягкими и едва заметными. Нажимать на карандаш нужно совсем слегка. Ведь, по японской традиции, рисунок должен быть очень легкий и практически невесомый. Ни в коем случае не прорисовывайте карандашом деталей – это забота тонкой кисти.
  • Изобразите на заднем плане далекие горы, пагоды, водоемы, соорудите несколько традиционных японских мостиков.
  • При очерчивании силуэтов людей не забудьте учесть особенности их одежды и осанки.
  • Для картин в японском духе уже стало привычным наличие на них главного символа этой страны – цветущей сакуры. Вы тоже можете на своем произведении изобразить эту удивительную по красоте вишню с облетающими на ветру лепестками.

    После нанесения карандашного наброска займитесь раскрашиванием картины. Помните, что

  • Теперь можно переходить к деталям. Возьмите тонкую кисть и начните прорисовывать кроны и стволы деревьев, крыши домов, снежные вершины гор. Не старайтесь прорисовывать каждую деталь вплоть до листков и лепестков. Ваша задача — с помощью нескольких мазков кисти задать направление бутонов и веток. Чтобы получить необходимые оттенки, акварель смешивайте на палитре. Стоит избегать слишком явных, ярких оттенков.
  • В одном из уголков картины расположите японские иероглифы. В интернете вы сможете найти множество подходящих для вас и вашего настроения японских стихотворений (хокку). Эти символы рисовать не так просто, как кажется на первый взгляд, поэтому в их изображении лучше потренироваться. Для придания письменам легкого налета давности и некоторой запыленности используйте черную краску, смешанную с синей или коричневой.
  • Используя пастельные мелки, создайте тени. Они должны располагаться на склонах гор и поверхности воды. Главное — не переусердствовать. Их не должно быть слишком много.

Простая картина в японском стиле

Если у вас не очень много времени, да и желания рисовать обширные пейзажи не т никакого, а вот украсить интерьер японской «штучкой» хотелось бы, то можете воспользоваться следующей методикой. Нарисуйте густой черной краской ветку дерева. Затем в одноразовую тарелку налейте немного нежно-розовой краски. В краску окуните дно пластиковой бутылки и сделайте отпечатки на бумаге. Дождитесь, пока рисунок высохнет. Таким образом, вы получите замечательную ветку сакуры, не прилагая собственных усилий.

На сегодня японская тематика в интерьере очень актуальна. Это и картины, и декор стен, и мебель в японском стиле, и светильники в японском стиле.

Читайте также:

Японская тематика вносит гармонию и спокойствие в наш бешеный ритм жизни. Следуя законам жанра искусства страны Восходящего солнца, вы сможете почувствовать влияние этой тематики на свою жизнь и душу.

Как нарисовать быстрый пейзаж в японском стиле в технике двойного мазка

Предлагаю вам пошаговую инструкцию, как нарисовать быстрый пейзаж в японском стиле в технике двойного мазка, поверхность — любая, на которой удобно рисовать. В случае декорирования какой-то вещи, нужна будет подготовка поверхности соответствующим способом. За качество фото прошу меня простить — снимала на телефон, при чём не на самый лучший)

  1. Рабочая поверхность, на которую будем наносить рисунок. В данном случае это простой лист пастельной бумаги синего цвета, но, как я уже писала, поверхность может быть любая подходящая.
  2. Акриловые краски, желательно не слишком густые, с хорошей плотностью цвета, хорошо подойдут крастки серии FolkArt (Plaid).
  3. Синтетические кисти — плоская, круглая, веерная и тонкие для прорисовки деталей и уточняющих моментов. Номера кистей следует подбирать пропорционально той вещи, с которой мы работаем. Скажем, для миниатюрной шкатулки и панно на стену размером 2х3 м потребуются совершенно разные кисти.
  4. Если работаем с твёрдыми поверхностями, такими, как дерево, или загрунтованное стекло, не лишним будет использовать финишный лак, подойдёт любой.

1. Намечаем гладь воды и линию горизонта, движения кисти желательны параллельно краю листа, иначе, как говорят фотографы, горизонт будет завален.

2. При помощи классического приёма «двойной мазок» намечаем линию берега, начиная с дальнего плана и заканчивая передним. Для тех, кто забыл — основной приём техники «двойной мазок» заключается в том, что на плоскую кисть набираются с двух сторон две контрастные краски, после чего делается несколько мажущих движений по палитре, чтобы сгладить резкий переход одной краски в другую.

3. Мягкими движениями круглой кисти намечаем силуэт ствола дерева. Очень хорошо будет смотреться сочетание нескольких оттенков одного цвета и линий разной ширины.

4. При помощи жёсткой веерной кисти резкими гладящими движениями намечаем крону, сразу прикидывая, какой объём она занимает и какой формы она будет.

5. При помощи тонкой кисти прорисовываем более тонки ветки, уточняем абрис кроны дерева.

Японские картины: все тонкости восточной живописи

Японская живопись – это абсолютно уникальное направление в мировом искусстве. Оно существует ещё с древних времён, но как традиция не утратило своей популярности и способности удивлять.

Внимательность к традициям

Восток – это не только пейзажи, горы и восходящее солнце. Это ещё и люди, которые создавали его историю. Именно такие люди поддерживают традицию японской живописи на протяжении многих столетий, развивая и приумножая своё искусство. Теми, кто внёс немалый вклад в историю искусства, были японские художники. Современные произведения искусства именно благодаря им сохранили в себе все каноны традиционной японской живописи.

Манера исполнения картин

В отличие от Европы, японские художники предпочитали писать ближе к графике, чем к живописи. В таких картинах не найти грубых, небрежных мазков маслом, которые так характерны для импрессионистов. В чём же заключается графичность такого искусства, как японская живопись? Цветы, деревья, скалы, животные и птицы – всё в этих картинах нарисовано максимально чётко, твёрдыми и уверенными линиями туши. У всех предметов в композиции обязательно есть контур. Заливка внутри контура обычно выполняется акварелью. Цвет размывается, добавляются другие оттенки, а где-то оставляют цвет бумаги. Декоративность – именно то, что отличает японские картины от искусства всего мира.

Контрасты в живописи

Контраст – ещё один характерный приём, который используют японские художники. Это может быть разница в тоне, цвете или контраст теплых и холодных оттенков.

Художник прибегает к приему тогда, когда хочет выделить какой-то элемент предмета. Это может быть прожилка на растении, отдельный лепесток или ствол дерева на фоне неба. Тогда изображается светлая, освещённая часть предмета и тень под ним (или наоборот).

Переходы и цветовые решения

Рисуя японские картины, часто используют переходы. Они бывают разными: например, от одного цвета к другому. На лепестках водяных лилий, пионов можно заметить переход от светлого оттенка к насыщенному, яркому какого-то цвета.

Также переходы применяют в изображении водной поверхности, неба. Очень красиво выглядит плавный переход от заката к тёмным, сгущающимся сумеркам. В рисовании облаков тоже используют переходы от разных оттенков и рефлексы.

Основные мотивы японской живописи

В искусстве всё взаимосвязано с реальной жизнью, с чувствами и эмоции тех, кто причастен к нему. Как и в литературе, музыке и других проявлениях творчества, в живописи существует несколько вечных тем. Это исторические сюжеты, изображения людей и природы.

Японские пейзажи бывают разнообразными. Часто в картинах встречаются изображения прудов – излюбленного предмета интерьера японцев. Декоративный пруд, несколько водяных лилий и бамбук неподалёку – так выглядит обычная картина 17-18 века.

Животные в японской живописи

Животные – тоже часто повторяющийся элемент азиатской живописи. Традиционно это крадущийся тигр или домашняя кошка. Вообще, азиаты очень любят семейство кошачьих, и поэтому их представители встречаются во всех формах восточного искусства.

Мир фауны – ещё одна тема, которой следует японская живопись. Птицы – журавли, декоративные попугаи, роскошные павлины, ласточки, незаметные воробьи и даже петухи – все они встречаются в рисунках восточных мастеров.

Рыбы — не менее актуальная тема для японских художников. Карпы кои – японский вариант золотой рыбки. Эти существа обитают в Азии во всех прудах даже маленьких парков и садов. Карп кои – своего рода традиция, принадлежащая именно Японии. Эти рыбы символизируют борьбу, решительность, достижение своей цели. Не зря их изображают плывущими по течению, обязательно с декоративными гребнями волн.

Мастер класс . Секреты китайской росписи

Японские картины: изображение людей

Люди в японской живописи – особенная тема. Художники изображали гейш, императоров, воинов и старцев.

Рисуем тюльпаны в технике двойного мазка

Гейши нарисованы в окружении цветов, всегда в сложных одеяниях с множеством складок и элементов.

Мудрецов рисуют сидящими или объясняющими что-то своим ученикам. Образ старого учёного – символ истории, культуры и философии Азии.

Воина изображали грозным, порой устрашающим. Длинные волосы самурая были детально прорисованы и похожи на проволоку.

Обычно все детали доспеха уточнены с помощью туши. Нередко обнажённые части тела воина украшают татуировки с изображением восточного дракона. Это – символ силы и военной мощи Японии.

Правителей изображали для императорских семей. Красивые одеяния, украшения в волосах мужчин – то, чем изобилуют такие произведения искусства.

Пейзажи

Традиционный японский пейзаж – горы. Азиатские живописцы преуспели в изображении разнообразных ландшафтов: одну и ту же вершину они могут изобразить в разных цветах, с разной атмосферой. Единственное, что остаётся неизменным – обязательное присутствие цветов. Обычно вместе с горами художник изображает какое-то растение на переднем плане и детально его прорисовывает. Красиво смотрятся картины с изображением гор и цветущей сакуры. А если рисуют опадающие лепестки – картина вызывает восхищение грустной красотой. Контраст в атмосфере картины – ещё одно замечательное качество японской культуры.

Иероглифы

Часто композицию картины в японской живописи совмещают с письменами. Иероглифы располагают так, чтобы смотрелось красиво композиционно. Обычно их рисуют слева или справа картины. Иероглифы могут обозначать то, что изображено на картине, её название или имя художника.

Япония – одна из самых богатых историей и культурой держав. Во всём мире принято считать японцев педантичными людьми, которые находят эстетику абсолютно во всех проявлениях жизни. Поэтому японские картины всегда очень гармоничны по цвету и тону: если и есть вкрапления какого-то яркого цвета – то только в смысловых центрах. На примере картин азиатских художников можно изучать теорию цвета, правильную передачу формы с помощью графики, композицию. Техника исполнения японских картин настолько высока, что может служить примером по работе с акварелью и выполнению «отмывки» графических работ.

японский рисунок Фотографии, картинки, изображения и сток-фотография без роялти

Добавить в Лайкбокс

#24946541 — Chinese painting

Добавить в Лайкбокс

#14030717 — vector background with a japan girl — vector illustration

Добавить в Лайкбокс

#51914574 — Japan dolls icons. Kokeshi dolls with fans and lanterns. Vector..

Добавить в Лайкбокс

#13549023 — background with a japan girl illustration

Видео мастер-класса «Цветочный». Роспись пряника в технике двойного мазка

Добавить в Лайкбокс

Японские трафареты | БАТИК и Я

Тема Японии — одна из любимейших в России. Слишком уж загадочна для нас эта страна, поражающая историческим и культурным наследием. Это страна самураев и гейш, драконов и японский журавлей, цветков сакуры, красивейших кимоно и изображения горы Фудзиямы на всех сувенирах.

Попробуйте сами воссоздать «кусочек» страны Восходящего солнца у себя дома при помощи этих японских трафаретов. Декоративное панно как нельзя кстати придется в этом случае, да и кожаную сумочку или шелковую тунику такая роспись украсит.

Все, что вам нужно сделать — скопировать к себе понравившийся рисунок, распечатать его (можно увеличить) и перенести на ткань. Как это сделать, читайте здесь.

Трафареты для росписи по ткани

Арт-терапия с помощью японской живописи Суми-э

Суми-э — древняя японская техника рисования тушью и минеральными красками на рисовой бумаге. Это живопись, самовыражение и философия одновременно, а значит прекрасно подходит для тех людей, которые интересуются не только и не столько рисованием, сколько саморазвитием и арт-терапией.

Исторически суми-э зародилось в Китае, и только в XIV веке было принесено в Японию буддийскими монахами. Название «суми-э» создано из сочетания двух японских слов: «суми» (тушь) и «э» (живопись). Это древнее традиционное искусство близко к современной акварельной живописи. Отличие суми-э в том, что для рисования художники, как правило, используют только черный цвет, создавая широкую гамму серых оттенков туши, растворяя её в воде в разных пропорциях. Так было принято изначально, однако, со временем японские художники стали писать цветными минеральными красками, которые, проникая в рисовую бумагу, закрепляются на ней подобно туши.

Для рисования необходимы чёрная тушь и кисти для каллиграфии, рисовая бумага и немного воды. В суми-э не делают карандашных набросков, рисунок рождается спонтанно, когда рукой мастера руководят его чувства, ощущения и дух. Композиция и фигуры складываются из отдельных мазков. В задачу художника не входит фотографически точное воспроизведение действительности. В отличие от Западной манеры живописи для суми-э более важны техника рисования мазков и умение создать гармоничную композицию, отбросив все второстепенное и представив только суть вещей. Говорят, что в традиционных японских школах суми-э учащиеся первый год рисуют только отдельные мазки, и лишь после этого их допускают к созданию рисунков.

Горный пейзаж гуашью (eng sub) Mountain landscape gouache

Прекрасные и изящные рисунки кажутся лишь делом техники, однако при их создании гораздо более важен философский смысл или так называемый «дух суми-э». В буддизме изобразительное искусство использовалось в качестве духовной практики. Не только процесс рисования, но и картины в технике суми-э подходят для медитации. Нанесенные на белую бумагу простые черные линии отвечают духу дзен, когда несколько произнесенных слов могут быть результатом многих лет душевных поисков.

Художник не стремится заполнить весь лист бумаги. Само изображение отличается лёгкостью и изяществом. Рисунок будто дышит и живёт своей жизнью. Мастер суми-э нарочно не прорисовывает картину полностью, оставляя кое-что за кадром. Это подарок зрителю, воображение которого откликается на лёгкие штрихи и начинает самостоятельно «дорисовывать» картину. В Японии говорят, что уметь рисовать — это искусство, но не меньшее искусство — уметь любоваться готовым рисунком.

Я сама более двух лет обучалась суми-э и готова подтвердить ценность этого вида искусства для психологической работы. Вот лишь немногое из того, что я подметила:

  • Поначалу участники группы стремятся использовать исключительно чёрную тушь, но со временем арт-терапия способствует тому, что монохромных изображений почти не остаётся. Уже к концу второго года обучения все рисунки участников, как на подбор, были цветные. Новоявленные художники жаждали выразить себя с помощью ярких красок. Творчество сняло депрессивное настроение и дало дорогу разноцветным чувствам, ощущениям, проявлениям.
  • Занятия японской живописью прекрасно прорабатывается страх совершить ошибку. Работая в стиле суми-э, приходится забыть о предварительных набросках. Если тушь ляжет на лист не так, как вам хотелось бы, то ничего уже изменить не получится, пигмент мгновенно проникает в бумагу и закрепляется намертво. Зато после нескольких месяцев тренировок, страх совершить ошибку отступает, как и стремление всё контролировать. Конечно, такие изменения касаются не того, как человек рисует, но и как ведёт себя изо дня в день. Появляется новое отношение к жизни, большая лёгкость и смелость в проявлениях. Так что рекомендую суми-э тем, кто работает с проблемой внутреннего сверх-контроля.
  • Рисование помогает заметить, что каждый художник имеет свой стиль, свою манеру рисования, у каждого появляются излюбленные образы, композиции и материалы. Работу одного мастера никогда не спутаешь с работой другого. На бумаге со всей ясностью проступает индивидуальность человека, тот неуловимый аромат души, который так тяжело описать словами. Занятия суми-э способствуют осознанию и принятию различий между людьми, а также ощущение нашего внутреннего сходства. Это чрезвычайно важный опыт в процессе самопознания и саморазвития.
  • Творчество самоценно. К этой мысли приходишь, когда после двух часов рисования, поднимаешься из-за стола, ощущая внутреннее спокойствие и гармонию. В этом проявляется целительное влияние медитации и творчества на человеческую душу.
  • Просыпается наблюдательность и ощущение соединенности внутреннего и внешнего миров. Если вы решили рисовать, то в поисках вдохновения, начнёте обращать внимание на всё, что окружает вас, на сезонную смену природы, малейшие проявления красоты там, где раньше вы бы прошли мимо, ничего не заметив.
  • Развивается спонтанность. Тушь растекается так, что никогда не знаешь, что получится в итоге. Особенно это характерно для новичков. Однако со временем начинаешь привыкать, что изначальная задумка в реальности воплощается иначе, и при этом не факт, что хуже. Возможно даже лучше, чем предполагалось. Весьма ценная мысль для жизни, не так ли?

В заключении хочу отметить, что в настоящее время суми-э становится всё более популярным видом искусства в России. В мегаполисах вы без труда сможете найти одну или даже несколько студий, занимающихся этим прекрасным видом творчества, а материалы для рисования можно заказывать в интернет-магазинах.

Желаю вам успехов и творческих свершений!

Мастер-класс по японской живописи суми-э: гортензия: nihon81

Суми-э 墨絵 — это буквально «тушь» и «картина». У нас было сочетание туши и минеральных красок.
1. Для занятия подготовлены: воды, несколько блюдечек (для туши и краски отдально), кисти, подстилка для бумаги.

Из описания группы:

Суми-э — одновременно техника живописи, ощущение и философия. Всё это представляет собой целостный аккорд, не существующий по отдельности. Это лёгкий ветер и аромат цветка.
Это энергия и дисциплина.

На занятиях вы знакомитесь с техникой и философией японской живописи суми-э. Прикоснетесь к удивительному миру монохромной живописи, сможете создать свои рисунки и получить удовольствие от процесса.

Один из эффектов, который достигает художник при рисовании суми-э — это состояние расслабленной сосредоточенности. Происходит очищение души, обогащение радостью, улучшение здоровья и состояния, гармонизируется ритм жизни.

2. Сначала Юлия говорит о теме занятия, показывает рисунки гортензии на планшете, затем раздает нам распечатки. Она пользуется таким японским пособием, которое называется «рисование цветов»:

3. Заглядываю внутрь, допустим, как рисовать сакуру:

4. Это распечатки. Гортензия по-японски «адзисаи» (紫陽花).

7. Выбрали одну из композиций, и Юлия показывает, как рисовать лепестки. Кисть сначала увлажняем, затем окунаем в голубую краску, а на кончик берём фиолетовую, таким образом цветок получается с фиолетовой серединкой.
Сначала я тренировалась на обычной бумаге, за тем на рисовой. При работе с рисовой бумаге надо ещё пристальнее следить за промоканием кисти, потому что по такой бумаге мгновенно расползаются пятна от влаги. Рядом лежат салфетки, чтобы убирать лишнюю воду.

8. Как раз момент рисования лепестков.

Во время занятия негромко играет приятная японская или китайская музыка, дополнительно создавая подходящую творческую атмосферу.

10. Теперь учимся рисовать листья. Юлия дополнительно подходит к каждому и показывает на его листочке, если нужно. Мне, конечно, требуются пояснения, я ведь в первый раз пришла.))
Для листьев, кроме зелёной краски, на кончик кисти берём тушь, в итоге зелёный и чёрный перемешиваются, и получается более выпуклый рисунок. Когда краска высохнет, можно нарисовать прожилки. В самом конце рисуются стебель и серединки цветов.

11. Что получилось у Юлии:

12. У других учениц (это всё на рисовой бумаге):

Занятие проходило с 12 до 15 часов, в перерыве пили чай. За это время у меня получилось два конечных рисунка, один черновой и пара отдельных для цветов и листьев.

Юлия рассказала, что у них было специальное занятие по проклейке: если вы хотите повесить свой рисунок на стену, сначала его нужно приклеить на другой лист рисовой бумаги и вставить в рамку. В процессе проклейки рисунок разглаживается и в итоге выглядит более презентабельно.

16. Использовались такие минеральные краски:

Если рисунок будут проклеивать, то требуются именно масляные, обычные могут потечь.

18. Пара фотографий из этого зала.

Мастер-класс понравился, удивило, что с первого занятия получилось что-то симпатичное. Но, конечно, чтобы были более впечатляющие результаты, надо заниматься. Удобно, что можно спросить совет, показывают, как держать кисть, как лучше брать краску, на видео из сети это не так удобно смотреть.

20. Далее показываю работы Юлии, чтобы вы оценили её мастерство:

24. Далее работы учеников:

29. Фото с выставки
Участники студии суми-э с вице консулом Японии по культуре господином Накамура, Валентиной Александровной Калининой — заместителем председателя Общества дружбы «Россия-Япония», Светланой Станиславовной Зезюлиной — заместителем директора по учебной работе

Строительная компания Акфен | akfengroup_main.ru

Картины в японском стиле – Ой!

Картины в японском стиле – Ой!

Невероятно красивые картины японской художницы Кинуко Крафт. Часть 2

Она родилась в 1940 г. в Японии, где жила и училась до 1962 года, потом переехала в США, где продолжает жить и творить до сих пор.

Первыми учебниками Кинуко стали книги из библиотеки деда-каллиграфа, и девочка получила такой заряд вдохновения, что решила поступать сначала в художественный колледж Канадзава(Kanazawa College of Art.) в Японии, а затем решила продолжить свое образование в США и изучать искусство иллюстрации в Чикагском университете.

Начинала карьеру как внештатный сотрудник целого ряда журналов, таких как The New York Times, Newsweek, Time, Forbes, Sports Illustrated и т.д. т.д. и надо сказать, достигла многого, но, все же решила «отправиться в свободное плавание», чтобы иметь возможность решать самой что и как рисовать. С середины девяностых, специализируется на иллюстрирование детских книг, суперобложках к книгам фэнтези и плакатах.

Урок ИЗО 4 класс. Японский пейзаж. Страна восходящего солнца. Праздник цветения сакуры

Кинуко И. Крафт — обладательница более ста художественных премий и пяти золотых медалей Общества Иллюстраторов. Её работы регулярно появляются в таких изданиях, как «Time», «Newsweek» и «National Geographic». Она иллюстрировала и многие книги для детей, в том числе «Царь Мидас и Золотое Прикосновение», «Амур и Психея», написанные Шарлоттой Крафт, а также «Двенадцать танцующих принцесс» и «Пегас» Марианны Мейер. Об иллюстрациях Кинуко Крафт к сказкам и мифам я рассказала в своей предыдущей публикации: Невероятно красивые картины японской художницы Кинуко Крафт. Часть1 — Иллюстрации к сказкам и мифам

В «New York Times» о ее работах писали: «Иллюстрации К.И. Крафт — настоящее чудо… Они неизменно поражают тщательной прорисовкой мельчайших деталей и множеством удивительных находок».

Не менее красивы рисунки этой художницы сделанные цветными карандашами:

Иллюстрации Кинуко Крафт можно встретить на обложках книг и компьютерных игр, на плакатах, а также ввиде пазлов.

Как нарисовать быстрый пейзаж в японском стиле в технике двойного мазка

Предлагаю вам пошаговую инструкцию, как нарисовать быстрый пейзаж в японском стиле в технике двойного мазка, поверхность — любая, на которой удобно рисовать. В случае декорирования какой-то вещи, нужна будет подготовка поверхности соответствующим способом. За качество фото прошу меня простить — снимала на телефон, при чём не на самый лучший)

  1. Рабочая поверхность, на которую будем наносить рисунок. В данном случае это простой лист пастельной бумаги синего цвета, но, как я уже писала, поверхность может быть любая подходящая.
  2. Акриловые краски, желательно не слишком густые, с хорошей плотностью цвета, хорошо подойдут крастки серии FolkArt (Plaid).
  3. Синтетические кисти — плоская, круглая, веерная и тонкие для прорисовки деталей и уточняющих моментов. Номера кистей следует подбирать пропорционально той вещи, с которой мы работаем. Скажем, для миниатюрной шкатулки и панно на стену размером 2х3 м потребуются совершенно разные кисти.
  4. Если работаем с твёрдыми поверхностями, такими, как дерево, или загрунтованное стекло, не лишним будет использовать финишный лак, подойдёт любой.

1. Намечаем гладь воды и линию горизонта, движения кисти желательны параллельно краю листа, иначе, как говорят фотографы, горизонт будет завален.

2. При помощи классического приёма «двойной мазок» намечаем линию берега, начиная с дальнего плана и заканчивая передним. Для тех, кто забыл — основной приём техники «двойной мазок» заключается в том, что на плоскую кисть набираются с двух сторон две контрастные краски, после чего делается несколько мажущих движений по палитре, чтобы сгладить резкий переход одной краски в другую.

3. Мягкими движениями круглой кисти намечаем силуэт ствола дерева. Очень хорошо будет смотреться сочетание нескольких оттенков одного цвета и линий разной ширины.

4. При помощи жёсткой веерной кисти резкими гладящими движениями намечаем крону, сразу прикидывая, какой объём она занимает и какой формы она будет.

5. При помощи тонкой кисти прорисовываем более тонки ветки, уточняем абрис кроны дерева.

6. Добавляем детали и финальные штрихи — луну, блики на воде, отражения, отблеск луны в кроне, траву, птиц, бабочек, медитирующих будд — что захотим:)

Японская живопись — древнейший вид искусства

Японская живопись является древнейшим видом искусства. Она включает в себя различные формы, жанры и разнообразное содержание.

Японская живопись является древнейшим видом искусства. Она включает в себя различные формы, жанры и разнообразное содержание. Элегантное искусство являет миру картины, представляющие собой ширмы, росписи на стенах, свитки из шелка или бумаги, веера, станковые картины и гравюры.

Японскую живопись отличает большое количество разнообразных жанров и стилей. Ведущее место в японской живописи, как и в литературе, занимает природа. Она преподносится в качестве хранителя божественного начала. Японская живопись берет свое начало в китайском искусстве, поэтому ее жанры очень схожи с жанрами Поднебесной. В наше время многие японские художники предпочитают проходить обучение именно в Китае.

Живопись в Японии имеет в своей истории развития несколько этапов. Каждый из них отличается своеобразными характеристиками и особенными чертами.

Начальным этапом развития считается временной промежуток с середины седьмого века по конец восьмого века, называемый Нара. В этот период был расписан храм Хорюдзи, он является отличным доказательством влияния на японскую культуру индийской и китайской традиции.

Следующий период развития японской живописи называется Хэйан. Он прославлен активным процветанием храмовой живописи и примерами светского искусства изображения. В этот период создаются иллюстрации к романам и повестям, призванным развлекать знатных господ.

Период Камакура (занимает временной промежуток с конца XIIвека по первую половину XIV века), занимавший временной отрезок с конца двенадцатого века и по первую половину четырнадцатого века, характеризуется изменением стилей, поисками новых способов изображения жизни. Настроение японской живописи круто меняется. Раньше картины передавали оптимистичную, легкую и радостную атмосферу. В этот период сделан большой шаг в сторону реалистичного изображения, а также придания картине практически военного характера. Характерные сюжеты живописи — батальные сцены из мифов и истории, религиозные сцены из буддийской традиции. Широко распространено изображение портретов важных государственных деятелей.

В период Муромати (временной отрезок с первой половины XIV века по вторую половину XVI века) на первый план выходит тенденция, прославившая японскую живопись на весь мир. Философия дзэн-буддизма оказала значительное влияние на живопись, в результате чего популярность приобрело пейзажное искусство. Особенную элегантность получила монохромная техника. В этот период на японскую живопись оказал влияние Китай. Самый известный художник Японии того времени Тоё Ода, специализировавшийся на написании пейзажей, создал первые картины, когда путешествовал по Поднебесной. Развил направление он уже на родине.

Вышеописанная тенденция активно развивалась и дополнялась во время двух следующих периодов развития японской живописи — Монояма и Эдо. Монохромная техника представляла собой более утонченный вариант. Тщательно прорабатывали и вырисовывали детали. Художники не побоялись экспериментов и стали применять приемы, ранее использовавшиеся в живописи на свитках и ширмах, в настенной росписи. Пейзажи и массовые сцены стали дополняться психологическими историями, демонстрирующими героя в момент сильного эмоционального напряжения. Помимо традиционной живописи в Японии активное распространение получила гравюра на дереве. Она разделялась на два вида: театральная гравюра и бытописательная гравюра. Самым известным мастером театральной гравюры является Тёсюсай Сяраку. Бытописательная гравюра активно развивалась в творчестве Судзуки Харунобу и Китагава Утамаро.

Японская живопись

Японская живопись — популярный традиционный вид японского искусства, который подразделяется на множество жанров и стилей.

Живопись в японском стиле

Мотивы природы нашли наибольшее распространение в живописи в японском стиле. Также на картинах страны восходящего солнца часто изображались всевозможные сцены из обыденной жизни знати, самураев, мифологических героев.

Наиболее известные жанры японских картин

Техника японской живописи уки-ё

В 14 веке большое распространение получил стиль уки-ё, который включал в себя гравюры на дереве, на которых была показана жизнь красивых гейш, актеров театра кабуки, борцов сумо и различные природные пейзажи.

В процессе создания гравюры укиё-э участвовали художник, резчик и печатник и весь процесс состоял из нескольких этапов. Вначале живописец рисовал на белой бумаге картину, затем резчик наносил на обратную сторону картины клей и прикладывал ее к деревянной доске. Когда рисунок приклеивался, из него вырезались части, которые не были закрашены, таким образом получалась печатная форма. Затем изготовлялись черно-белые оттиски, на них живописец наносил необходимые цвета. Резчик изготовлял нужное число (до нескольких десятков) печатных форм, которые сочетались с заданным фоном или окраской. Печатник после обсуждения с художником цветовой гаммы покрывал формы краской и, прикладывая их к слегка влажной рисовой бумаге, создавал гравюру.

Стиль, в котором печаталась японская гравюра стала популярна не только в Японии, но и среди художников западных стран, таких как Винсент Ван Гог, Клод Моне и другие. Это воздействие на европейское искусство носит название «японизм».

Школа японской монохромной живописи Кано

Наиболее известной школой японского изобразительного искусства является школа Кано, картины которой изображали различных птиц, животных, мифологических существ, случаи из жизни обычных людей. Рисунки наносились также на раздвижные двери японских дворцов.

Художники школы Кано, ко всему прочему, знамениты своими великолепными монохромными росписями по шёлку. Отличительной чертой таких творений являются сочетания реальных предметов и животных, находящихся на первом плане изображения, с абстрактными, абсолютно отвлечёнными составляющими заднего фона (к примеру, облаками).

В современной Японии живет большое количество художников, которые рисуют в стиле субкультуры аниме и других сферах новой японской культуры. Большое признание получил Такаши Муроками, работающий в студии Каикаи Кики. Он рисует картины, посвященные жизни послевоенного японского государства и аниме, кроме того, создает изваяния и картины в сюрреалистическом стиле и в традиционных национальных жанрах.

Видео о живописи Японии

На протяжении столетий живопись занимала важное место в культуре страны восходящего солнца. Об этом виде искусства и пойдет речь в видео.

Жанр статьи — Живопись Японии

Японская монохромная живопись — Традиционная японская живопись и гравюра

В данном посте хотелось бы уделить внимание не истории монохромной живописи, а ее сути. Об этом и пойдет речь.

ширма «Сосны» Хасэгава Тохаку, 1593г.

То, что мы видим на монохромных картинах – это результат взаимодействия художника с основной триадой: бумага, кисть, тушь. Поэтому чтобы правильно понимать работу, надо понимать самого художника и его отношение.

«Пейзаж» Сэссю, 1398г.

Бумага для японского мастера не просто подручный материал, который он подчиняет своей прихоти, а скорее наоборот — это «собрат», поэтому и отношение к ней сложилось соответствующее. Бумага это часть окружающей природы, к которой японцы всегда относились трепетно и старались не подчинить себе, а мирно сосуществовать с ней. Бумага – это в прошлом дерево, которое стояло в определенной местности, определенное время, «видело» что-то вокруг себя, и она все это хранит. Так материал воспринимает японский художник. Часто мастера прежде чем начать работу, долго смотрели на чистый лист (созерцали его) и только потом приступали к живописи. Даже сейчас современные японские художники, которые занимаются техникой Нихон-га (традиционная японская живопись) тщательно выбирают бумагу. Они покупают ее под заказ на бумажных фабриках. Для каждого художника определенной толщины, влагопроницаемости и фактуры (многие художники даже заключают договор с владельцем фабрики не продавать эту бумагу другим художникам) – поэтому каждая картина и воспринимается как нечто уникальное и живое.

«Читая в бамбуковой роще» Сюбун, 1446г.

Говоря о значимости этого материала, стоит упомянуть такие известные памятники литературы Японии как «Записки у изголовья» Сэй Сёнагон и «Гэндзи моноготари» Мурасаки Сикибу: и в «Записках», и в «Гэндзи» можно встретить сюжеты, когда придворные или влюбленные обмениваются посланиями. Бумага, на которой писались эти послания была соответствующего времени года, оттенка, а манера написания текста соответствовала ее фактуре.

«Мурасаки Сикибу в храме Исияма» Кёсэн

Кисть – вторая составляющая, это продолжение руки мастера (опять же — это природный материал). Поэтому кисти тоже делались на заказ, но чаще всего самим художником. Он подбирал волоски необходимой длины, выбирал размер кисти и наиболее удобную рукоять. Мастер пишет только своей кистью и никакой другой. (Из личного опыта: была на мастер-классе китайского художника Цзян Шилуня, зрители попросили показать, что умеют его ученики, присутствовавшие на мастер-классе, и каждый из них, взяв в руки кисть мастера, говорил, что получится не то что они ожидают, так как кисть не их, они к ней не привыкли и не знают как правильно ей пользоваться).

«Фудзи» эскиз тушью Кацусика Хокусай

Тушь – третий важный элемент. Тушь бывает разных видов: она может дать после высыхания глянцевый или матовый эффект, может быть с примесью серебристых или охристых оттенков, поэтому правильный выбор туши также не маловажен.

Ямамото Байцу, конец XVIII — XIX век.

Основные сюжеты монохромной живописи это пейзажи. Почему в них нет цвета?

парная ширма «Сосны», Хасэгава Тохаку

Во-первых, японского художника интересует не сам предмет, а его суть, некая составляющая, которая является общей для всего живого и приводит к гармонии человека с природой. Поэтому изображение — всегда намек, оно обращено к нашим чувствам, а не к зрению. Недосказанность – это стимул диалога, а значит соединения. В изображении важны линии и пятна – они образуют художественный язык. Это не вольность мастера, который где захотел, там оставил жирный след, а в другом месте наоборот недорисовал – в картине все имеет свой смысл и значение, и не несет случайного характера.

PAINTING TUTORIAL#18. Ромашки One stroke

Во-вторых, цвет всегда несет какую-то эмоциональную окраску и по-разному воспринимается разными людьми в разных состояниях, поэтому эмоциональная нейтральность позволяет зрителю наиболее адекватно вступить в диалог, расположить его к восприятию, созерцанию, мысли.

В-третьих, это взаимодействие инь и ян, любая монохромная картина гармонична с точки зрения соотношения в ней туши и нетронутой области бумаги.

Почему большая часть пространства бумаги не задействована?

«Пейзаж» Сюбун, середина XV века.

Во-первых, незаполненность пространства окунает зрителя в изображение; во-вторых, изображение создается так, словно оно на мгновение выплыло на поверхность и вот-вот исчезнет – это связано с мировоззрением и мировосприятием; в-третьих, на тех областях, где нет туши на первый план выходит фактура и оттенок бумаги (на репродукциях это не всегда видно, но на деле это всегда взаимодействие двух материалов – бумаги и туши).

Почему пейзаж?

«Созерцание водопада» Гэйами, 1478г.

Согласно японскому мировоззрению, природа совершеннее человека, поэтому он должен у нее учиться, всячески ее беречь, а не уничтожать или подчинять. Поэтому на многих пейзажах можно увидеть небольшие изображения людей, но они всегда незначительны, малы по отношению к самому пейзажу, или изображения хижин, которые вписаны в окружающее их пространство и даже не всегда заметны – это все символы мировоззрения.

«Времена года: Осень и Зима» Сэссю. «Пейзаж» Сэссю, 1481г.

В заключение, хочу сказать, что монохромная японская живопись это не хаотично разбрызганная тушь, это не прихоть внутреннего эго художника – это целая система образов и символов, это хранилище философской мысли, а главное, способ коммуникации и гармонизации себя и окружающего мира.

Вот, думаю, ответы на основные вопросы, возникающие у зрителя при столкновении с монохромной японской живописью. Надеюсь, они помогут вам наиболее правильно понять ее и воспринять при встрече.

Виды живописи в Японии | Магия Востока

Абуна-э (Abuna-e, あぶな絵) – эротическая живопись и гравюра, здесь изображали частично обнаженных женщин, участвующих в повседневной деятельности, например – купание, мытье волосы, наслаждение вечерней прохладой, или накладка макияжа. Часто внезапный порыва ветра, маленький ребенок, или даже животные, такие, как обезьяна или кошка, игриво тянули у женщины одежду, обнажая ее ноги, бедра или грудь. Считается, что Abuna-е было создано в 1772 году, после того как правительство запретило сексуальные картинки, а пик их популярности пришелся на середину 18 века. Вероятно, Abuna-е скорее аналог современной эротики по сравнению с откровенно сексуальной сюнга.

Айдзури-э – печать анилиновым красителем синего цвета. Также известна как техника “аи-э” или синяя печать. Гравюры печатались с нескольких досок различными оттенками основного цвета. Появление и широкое распространение этого типа гравюры укиё-э в конце периода Токугава связано с изданием указа об ограничении роскоши.

Атэнаси-бокаси – техника, при которой чернила смешивали с жидкостью, благодаря чему они свободно растекались по всей поверхности картины. Часто применялась для изображения облаков и водной глади, как, например, в серии гравюр Хиросигэ “Сто знаменитых видов Эдо”.

Барэн – плоский круглый диск около 10-12 см в диаметре, оплетенный бамбуковыми волокнами, при помощи которого печатник, последовательно накладывая на каждый из выгравированных блоков чистый лист рисовой бумаги, печатал гравюру вручную.

Бидзин-га (Bijinga, 美人画) — общее название для произведений живописи и графики, изображающих женскую красоту в традиционном искусстве Японии, например — в печати с деревянных досок художественного направления укиё-э, являвшегося своего рода предшественником фотографии. Обозначение бидзинга может использоваться и для современных средств искусства, представляющих классический образ прекрасной японской женщины, как правило одетой в кимоно. Практически все мастера укиё-э создавали картины в жанре бидзинга, бывшие одной из центральных тем этого направления японского искусства. В узком смысле это жанр гравюры укиё-э.

Бундзинга – живопись образованных людей, школа японской живописи тушью, направление в японской живописи, сформировавшееся в XVIII веке под влиянием китайской Южной школы «Вэньжэньхуа» (картины культурных людей). Японские художники бундзинга в основном уделяли внимание традиционным жанрам китайской живописи – пейзаж, «цветы-птицы» и «четыре благородных мужа» ( слива, орхидея, хризантема и бамбук). Смотри также Ханга (Hanga).

Бокасидзури – плавная, мягкая градация цветовых оттенков и полутонов, достигаемая в процессе печати гравюры.

Бэни-э — розовая гравюра. Тип гравюры укиё-э, раскрашенной от руки кистью, для которой вместо охристой минеральной краски тан применялась розовая растительная краска бэни с добавлением к ней желтого, оливкового и коричневого цветов.

Бэнигирай-э — синяя гравюра. Вид полихромной печати без использования красного цвета. Основные краски, применяющиеся в этой гравюре, – синяя, серая и фиолетовая. Её появление связано с выходом одного из указов Правительства в период эры Ансэй.

Бэнидзури-э – первые цветные гравюры, напечатанные в два цвета – розовым (бэни) и зеленым (аой). Техника многоцветной печати была изобретена китайцем по имени Сисэн и в Японии стала использоваться со времен эры Энкё (1744-1748).

Бэроай – синий пигмент, полученный из растения индиго, ввезенного в Японию с Запада в конце периода Эдо. Его называют “Берлинская лазурь”. Бэроай был особенно популярен в годы эры Бунсэй (1818-1830) и эры Тэмпо (1830-1844). Яркий пример использования этой краски – серия гравюр Хокусая “36 видов Фудзи”.

Дзицубуси – заполненная цветом гравюра. Техника, при которой оставшиеся белыми участки изображения заполняются цветными чернилами. Обычно применяются желтый, индиго и темно-красный оттенки. Как пример использования желтого цвета – гравюра Утамаро “Шитьё”.

Ёко-нага-эбан – картина особо широкого горизонтального формата.

Роспись, Две краски на кисточке, часть1 | Tutorial — brushstroke, irishkalia

Ёко-обан – разновидность пейзажного формата обан.

Ёко-тандзаку-бан – разновидность пейзажного формата тандзаку-бан.

Ёко-хадзама-бан – хадзама-бан, но горизонтальный.

Итимондзи-бокаси – техника печати, при которой верхняя половина изображения заштриховывается тонкими отчетливыми линиями-полосами. Облака на большинстве гравюр Хиросигэ исполнены именно в этой технике. Итимондзи-бокаси применяется, главным образом, на первом этапе печати ксилографии.

Какэмоно – вертикальные свитки.

Какэмоно-эбан – название, данное гравюрам портретного формата.

Кара-э (Kara-e ) – китайский живописный стиль. Примерно до десятого века в японской живописи доминировало китайское направление кара-э, c распространением буддизма вместе с ним получил распространение и этот стиль. Китайский стиль, преобладавшей в 9 веке, был вытеснен стилем ямато-э, который первоначально указывал на японский характер тематики росписей в отличие от стиля кара-э.

Кано (狩野派, Kano) – одна из самых известных художественных школ в японской живописи. Школа была основана художником Кано Масанобу (1434-1530), современником Сэссю и учеником мастера Сюбуна. Школа Кано формировалась из художников, принадлежавших к роду Кано. В Период Адзути-Момояма эта школа достигает своего расцвета. Художники школы кано часто работали с большими формами, они создавали картины природы, сцены птиц, растений, воды и животных на раздвижные двери или экраны на фоне сусального золота. Наиболее замечательные из этих работ хранятся в замке Нидзё в Киото. Мастера Кано известны также своими замечательными монохромными росписями чернилами по шёлку. Для их работ характерны комбинации из реальных предметов и животных, выступающих на первом плане картины, и из абстрактных, совершенно отвлечённых элементов заднего плана, например, облаков. Наибольшего развития в школе Кано достигает совершенствование изображённых в китайском стиле неба, облаков, моря и тумана.

Кимэдаси или кимэкоми – техника печати многокрасочной ксилографии, при которой готовую гравюру плотно прижимали лицевой стороной вниз к первой контурной печатной доске и усиленно проглаживали. В результате проявлялись бесцветные рельефные линии контуров, а отпечатанные цветовые участки становились выпуклыми, и таким образом достигался эффект рельефной картины. Этот способ часто использовали для изображения мускулов на руках борцов или округлого женского тела. Харунобу и Бунтё были большими приверженцами техники кимэдаси.

Кира-э или киракакэ – слюдяная печать. Техника печати укиё-э с использованием в качестве пигмента слюдяного порошка, придающего изображению мерцающий серебряный фон. Для этого приготавливали две доски, одну из которых покрывали основным цветом, в то время как другую – клеем или пастой. Затем, слюдяной порошок посыпали на влажную бумагу, а остатки стряхивали. Техника кира-э была популярна у Утамаро и Сяраку.

Мэйсё-э – изображение знаменитых или прославленных красотой мест. Традиционный жанр японского искусства.

Моцукоцухо — печать без контура. Техника монохромной и полихромной печати гравюры, при которой вокруг цветовых участков не наносятся контурные линии.

Как нарисовать бамбук тушью? | Рисуем по уроку из книги «Суми-э — японская живопись тушью»

Муся-э – станковые гравюры с изображениями воинов или буси.

Нагасаки-э (Нагасаки-е) – старинные японские цветные деревяные гравюры по дереву, которые изображают иностранцев, в основном голландцев, их корабли или их экзотические животные и подарки. Нагасаки-э еще более редки, чем Йокогама-э.

Нисики-э – многокрасочная ксилография. Парчовые, то есть многоцветные картины, которые печатались с нескольких досок на самой лучшей по качеству, хорошо впитывающей краску бумаге хосо, украшались тиснением, золотым, серебряным и перламутровым порошком. Глубокие и мягкие водяные краски, покрывая всю поверхность листа, создавали эффект, подобный парче, что и дало им название “парчовые картины” или нисики-э. Они – дальнейшее развитие бэнидзури-э. Введение новой техники печати объясняется распространением во 2-й год Мэйва (1765) поздравительных гравюр “суримоно” и календарей, которые издавались малыми тиражами, и приобрести которые могли далеко не все, а лишь узкий круг ценителей искусства. Появление и дальнейшее развитие нисики-э связывают с именем величайшего мастера укиё-э Харунобу.

Нуномэ-дзури — тканевая печать. Техника, при которой доску обтягивали тонким как бумага шелком или газовой материей, а затем притирали по поверхности при помощи жесткого диска барэна. В результате структура ткани отпечатывалась на доске. Этот метод был очень популярен среди резчиков гравюры в конце периода Токугава (1603-1867).

Обан — большой формат. Приблизительный размер 39,5 х 26,8 см. Ообан Особо большой формат.Окуби-э — тип больших погрудных портретов. Так называемые “большие головы”. Яркий пример окуби-э – бидзин-га Утамаро (первый ввел этот тип гравюры в укиё-э) и якуся-э Сяраку.

О-тандзаку-бан – гравюра с поэтическими строками в формате обан.

Сансуйга (Sansuiga) – пейзажной живописи, “картины гор и вод”, один из трех главнейших жанров живописи, наряду с дзимбуцуга (портретная и жанровая живопись) и катега (картины цветов и птиц). Пейзажи сансуйга, несущие философский смысл, японские художники стали рисовать, только начиная с 15 века. Вместе с дзэн-буддизмом в Японию попала китайская культура династий Сун и Юань, в том числе и так ценимая дзэнскими монахами китайская монохромная живопись тушью. Первые художники-пейзажисты использовали мотивы, заимствованные у китайских художников-монахов и художников придворной академии живописи, изображая идеализированные лирические пейзажи.

Син Ханга (Shin Hanga ) буквально переводится как новая графика. Это направление в японском искусстве характеризуется обновлением традиционной японской гравюры. Временные рамки шин ханга можно обозначить с 1915 по 1962. Развитие син ханга привело к реннесансу традиционного искусства укиё-э (Ukiyo-e). Направление Син Ханга соединило элементы позаимствованные с Запада и технические приемы японской гравюры. Вместо бездумного копирования западного исскуства художники шин ханга фокусировались на традиционном изображении пейзажей,красивых женщин и портретов актеров. Вдохновленные французкими импрессионистами, художники шин ханга также приняли эффекты света и тени а также выраженний личных эмоций. В результате получился синтез великопной графики и обновленного стиля.

Сёдзури – первый этап изготовления ксилографии, во время которого гравером вырезалась первая печатная форма, так называемая ключевая доска. С нее потом делалось несколько черно-белых оттисков, на которых художник обозначал иероглифами задуманные цвета. На первом этапе больше внимания уделялось раскраске изображения, нежели каким-то признакам и предметам одежды, поэтому эти отпечатки сёдзури считаются наиболее ценными. Все последующие этапы называются “атодзури”.

Сёмэн-дзури – глянцевая печать. Также известна как “цуя-дзури”. Все нисики-э притираются с задней стороны изображения, но в данном случае притирание производится с лицевой стороны гравюры. Таким образом, использующаяся для этого доска становится как бы зеркальным отображением печатного блока, который притирают при обычном печатании. После того, как процесс цветной печати полностью завершен, поверхность гравюры отшлифовывается до блеска при помощи бамбукового диска барэна или чашечки для сакэ.

Сикиси-бан — традиционный формат плотного картона. Почти квадратный формат. Различают два стандартизированных размера: большой и маленький. Большой – приблизительно 19,4х17 см. Первоначально сикиси использовались для написания поэтических строф.

Сумидзури-хиссай – черно-белые гравюры сумидзури, впоследствии тонированные от руки.

Сумидзури-э – ранние черно-белые ксилографии, напечатанные с одной доски черной краской суми, получаемой из сажи и клея.

Суримоно – поздравительные благопожелательные гравюры. Обычно небольшие, квадратного формата, они печатались на дорогой и высококачественной бумаге. Издавались маленькими тиражами для частных заказчиков и были предметами коллекционирования.

Суми-э (Sumi-e) – японская монохромная живопись тушью, это направление возникло в XIV веке и было заимствовано из Китая. Слово суми-э представляет собой соединение двух японских слов, которые в переводе означают “тушь” (суми) и “живопись” (э). То есть суми-э – это тип монохромной живописи, похожей на акварель. Культивируемая в крупных дзэнских монастырях Камакура и Киото, суми-э очень ценилась дзэнскими художниками и их покровителями. Дзэнские монахи-художники рисовали портреты тиндзо, но к концу XIV века монохромная пейзажная живопись стала основным и наиболее почитаемым в дзэнских монастырях жанром изобразительного искусства. В наши дни на Западе принято называть суми-э любое изображение, написанное тушью с использованием технических приемов работы кистью, традиционно принятых в Азии.

Суйбокуга (Suibokuga) – живопись тушью, китайский стиль, заимствованный японскими художниками в XIV в. Это искусство импровизации, другое название – суми-э. Искусство возникло в Китае около 6000 лет назад, каллиграфия дала развитие живописи. Живопись тушью является художественной формой, которой свойственна высочайшая степень свободы.

Сюнга (Shunga) – весенние картины, одно из направлений японской ксилографии, изображающее эротические сцены. Гравюры на эту тему приобрели большую популярность в конце XVIII – начале XIX века. Как правило, подобные гравюры издавались анонимно, художники не рисковали их подписывать. В Японии сюнга официально запрещена уже около полутора столетий.

ВИДЕО УРОК/TUTORIAL Рисуем гуашью осенний японский сад. #Dari_Art

Тандзаку-бан – печатный формат. Вертикальные листы наподобие узких полос бумаги, на которых писали стихи. Размер такого формата – приблизительно 44х7,6 см.

Тан-э – гравюры, раскрашенные от руки охристой минеральной краской “тан”. Так как охра (тан) была самым распространенным и наиболее часто используемым пигментом, она и дала название этому типу гравюры. Иногда к охре добавляли оливковый и приглушенный желтый тона.

Тюбан – средний формат гравюры. Размер 29,3 х 19 см.

Тю-тандзаку-бан – ксилография среднего формата с рядами поэтических строк.

Укиё-э (Ukiyo-e) – картины “бренного мира”. Особое направление в японской живописи, представленное цветной гравюрой на дереве. Формируется в 17 веке, в эпоху Токугава. Первоначально слово укиё обозначало одно из буддийских понятий и переводилось как “бренный и быстротекущий мир”. В 17 веке оно уже стало обозначать современный суетный мир, мир любви и наслаждений. Слово “э” означает “картина, изображение”. Поэтому название искусства “укиё-э” говорит о том, что оно отображает повседневную, современную жизнь периода Токугава. В процессе создания ксилографии принимали участие художник, резчик и печатник. Для многоцветных гравюр порой изготавливали свыше тридцати печатных форм. Пигменты наносили кистью или кончиком пальца. Картины печатались на японской мягкой, впитывающей влагу бумаге, а затем отшлифовывались при помощи бамбукового диска барэна. У японцев было несколько жанров гравюры укиё-э – бидзин-га ( изображение красавиц), якуся-э (портреты актёров театра), сюнга (эротические картинки), муся-э (изображения самураев), фукэй-га ( пейзаж) и катё-га — цветы и птицы.

Уки-э – перспективная печать. Вид гравюры укиё-э, в которой применялся заимствованный с Запада прием перспективы. В перспективе изображали интерьеры театров, комнат, а позднее и пейзажи. Первым, кто начал использовать эту технику, был Окумура Масанобу. Затем ее усовершенствовал Тоёхару.

Уруси-э – лаковые картины. Техника печати, при которой на самые заметные части гравюры наносили японский лак – уруси. Иногда лаком покрывались светлые плоскости гравюры, что придавало листам особый блеск и сходство с изделиями из лака. Но чаще тот же эффект получали путем смешивания черной краски (суми) с густым клеем.

Утива-эбан – картины в виде круглых вееров. Гравюра, на которой контур круглого веера образует своего рода обрамление для изображения.

Фукибокаси – техника печати полуподцвеченной (подкрашенной) ксилографии. Такой тип гравюры создается сначала путем протирания нужной части печатной доски с помощью кусочка материи, предварительно смоченного в воде. Затем эта увлажненная поверхность слегка подцвечивается кистью от руки.

Ханга (Hanga) – Южная школа живописи. Это школа японской живописи тушью, направление в японской живописи, сформировавшееся в XVIII веке под влиянием китайской Южной школы «Вэньжэньхуа» (картины культурных людей). Художниками этого направления по-новому осмыслены цели и задачи искусства, осознана ценность личности художника, что нашло отражение в формировании образа жизни художника, или «знаменитости», «интеллектуала», как часто называли адептов Южной школы. Художниками этой школы являлись ученые-конфуцианцы. Их творчество отличалось широким диапазоном тем и приемов. Они привнесли в живопись поэтическую непосредственность, оригинальность видения и трактовки пейзажей. В основном они писали тушью монохромные картины в китайском стиле и обычно дополняли их китайскими стихами, написанными каллиграфически. Рождение китайской Южной школы в Японии связано с приездом китайских художников в Нагасаки около 1720 года. Смотри также бундзинга.

Ханги — печатная доска. Обычно использовалась древесина вишни, иногда груши или самшита. Рисунок, сделанный художником на тонкой, прозрачной бумаге, гравер наклеивал лицевой стороной на доску продольного распила и вырезал первую печатную форму.

Хасира-э – гравюра длинного и узкого формата, наклеивавшегося на столбы. Размер – приблизительно 70 х 20 см. Для хасира-э обычно использовали специальную плотную бумагу.

Хадзама-бан – портретный формат. Размер – приблизительно 33 х 23 см. Хособан Узкий формат. Размер – приблизительно 30-35,5 х 15,5 см.

Э (E) – символом “e” означается картина или гравюра в японском языке, или просто “живопись”.

Якуся-э – жанр японской гравюры направления укиё-э, отражающий жизнь актеров театра Кабуки. Возник в конце 17 века как оформление плаката, афиши, театральной про­граммы. Ранние произведения якуся-э, выполненные в технике ксилографии с яркой подкраской оттисков, создавали героический образ актера — исполнителя остродраматических ролей, привлекали захватывающей стремительностью действия и роскошью театральных одежд. Затем появляются лирические сцены, портреты актеров в процессе работы, в артистической уборной.

Ямато-э (Yamato-e, 大和絵) — школа японской живописи, сложившаяся в XI — XII веках при императорской Академии художеств. Японские художники освобождались от сильного китайского влияния, вместо прокитайского стиля кара-э стали появляться светские по тематике картины в японском стиле. Для мастеров ямато-э характерны яркие силуэтные изображения, горизонтальные свитки, иллюстрирующие аристократические романы, повести, в которых живопись перемежается с каллиграфией. Расцвет ямато-э наступил в 12-14 веках, появилось много выдающихся по технике исполнения произведений чисто светской живописи, включая портретную. Многие художники-профессионалы создавали картины только на светские темы, такие картины изображали и на складных ширмах и сёдзи. Позднее многие характерные черты мастеров этой школы (орнаментальные формы облаков, приёмы параллельной перспективы) вошли составными элементами в произведения школ кано и укиё-э(Ukiyo-e)

Волшебные японские картины своими руками

Как сделать картины в японском стиле своими руками, несколько советов.

Даже неискушённый в искусстве человек, но обладающий врождённым чувством прекрасного, может часами любоваться волшебной графикой японских мастеров. Почему именно японских?

Просто манера изображения окружающего мира, людей и фантастических персонажей в стране Восходящего Солнца уникальна и неповторима. Тому причиной было множество разных факторов — и географических, и исторических. Но не будем углубляться в эти аспекты, ведь нам интересно сейчас лишь загадочное волшебство японского рисунка.

«Цветение в горах. Пейзаж» как нарисовать ��ГУАШЬ | Сезон 3-11 |Мастер-класс для начинающих

Изящные обводы контуров фигур и расплывчатые, перетекающие из одного оттенка туши в другой, очертания могут изумительно сочетаться на одном рисунке. В гравюрах на дереве и в картинах-ширмах, в настенных росписях и шёлковых свитках соединением чётких линий и мягких полутонов удивительно содержательно передаются и бытовые сценки, и буйство стихии, и величественность эпических образов.

Существует мнение, с которым просто невозможно не согласиться, что иностранец, каким бы великим художником он ни был, никогда не сможет создать истинно японскую картину. Для этого надо родиться японцем, вдыхая с воздухом вековые традиции, подчинить себя этой философии. Уметь, как в хокку, тремя строчками выразить всю суть и прелесть происходящего. «Бьёт дождь, взошла луна, и вся природа приглашена на праздник» – как лучше, лаконичнее и более ёмко выразить наступление лунной ночи?! Так и в японском рисунке.

Но абсолютно каждому по силам создать, пусть не шедевр кисти Хокусай, но очень красивую и оригинальную имитацию японского панно, способного стать великолепным украшением интерьера. Примечательно, что подобной техникой может пользоваться даже человек, начисто лишённый способностей к рисованию. Главное, чтобы у него присутствовало чувство меры.

Что нам понадобится? Это зависит от того, что мы хотим сделать. Если задумано панно на шёлковом полотне, то потребуется кусок шёлка, желательно натурального, клей ПВА, нитки ирис или мулине, паспарту для оформления законченной композиции и, конечно, необходимо подыскать рисунок, который мы хотим воспроизвести.

К рисунку предъявляются определённые требования. Он должен быть линейным, то есть состоять из чётко обозначенных контурных линий. Есть маленький нюанс – чем на рисунке больше изогнутых линий, контуров и штрихов, как в гравюре, тем интереснее и эффектнее будет панно.

Великолепно будет смотреться картина с изображение птиц, причудливо изогнутых деревьев, самураев в боевом облачении…

Подобрав соответствующий рисунок, с помощью копировальной бумаги перенесём его на ткань. Теперь шёлковое полотно нужно растянуть, что бы при последующих действиях оно не стягивалось и оставалось ровным. Можно плотно прижать края тяжёлым прессом, а можно и закрепить в большое пяльце, применяемое для вышивки.

Как нарисовать ДЕРЕВО за 20 минут! Очень простая и необычная техника.

Второй этап – подготовить шнур для создания рельефного контура панно. Толщина шнура зависит от размеров картины и её насыщенности деталями. Например, если на формат А3 переносится рисунок дерева, весь испещрённый штриховкой и контурными линиями, то оптимальная толщина шнура будет 2-3 миллиметра.

Но нужно учесть, что размер мелких элементов не должен быть меньше его толщины. Можно использовать в одной работе шнуры разной толщины, лучше всего смотрится картина с одинаковыми линиями. Шнурок просто скручивается из ниток. Процесс, без сомнения, каждому знаком с детства.

Закрепив ткань с переведённым рисунком, приступаем к самому интересному, творческому и основному этапу создания картины.

Очень аккуратно тонкой спицей наносим клей ПВА на линии оттиска. Проведя клеевую полоску на расстояние двадцати-тридцати сантиметров, бережно приклеиваем шнур, повторяя контуры и придавая им объём. Так, сантиметр за сантиметром будет прорисовываться рельефное изображение.

Особое внимание следует уделить местам пересечений линий. Подрезание и состыковка частей шнура должна выполняться очень аккуратно и тщательно, чтобы не появилось, портящих вид перепадов толщины. Линии законченного рисунка должны выглядеть ровными, как будто проведённые карандашом или маркером.

По цвету идеально смотрится изображение из чёрного контура на жёлтом либо красном фоне. Но можно до начала работы на растянутое мокрое шёлковое полотнище нанести акварельной краской какой-нибудь фон в виде пейзажа или просто разноцветных полос. Дать ткани высохнуть. Получится прекрасный задний план, слегка размытый, нечёткий, не отвлекающий от основной композиции.

Останется только завершить работу, оправив панно в рамку или картонное паспарту. А можно, если панно имеет вид вертикального свитка, обработать края и, утяжелив верх и низ, поместить его на стену, как это принято в Японии.

Китайский Пейзаж Рисунок

Яркие, завораживающие и медитативные пейзажи Китая

до н. э. ). Плотная повязка постепенно нарушала свод стопы и пальцы с пятками росли параллельно друг к другу, мышцы ног атрофировались и они становились очень тонкими. Вертикальный свиток вывешивался на специальную раму, а зрители предавались созерцанию, расположившись вокруг него. Цвет размывается, добавляются другие оттенки, а где-то оставляют цвет бумаги.

Заливка внутри контура обычно выполняется акварелью. «Горы и воды» – это всегда картина, модель мира, отражающая современные представления об особенностях его устройства и функционирования.

Невероятно красивые пейзажи Китая (56 фото)

Мир – и Человек в нём. Попытаюсь всего лишь наглядно показать, что подразумевается под каждой из трёх далей на композиционном уровне и отмечу особенности пространства свитка, построенного на основании этих далей. Сегодня китайская столица именуется Пекином, что в переводе на русский означает «Северная столица». И в этой связи жанр пейзажа ценился больше других. Цветы, деревья, скалы, животные и птицы – всё в этих картинах нарисовано максимально чётко, твёрдыми и уверенными линиями туши. Это соответствует одному из шести живописных законов, сформулированных ещё в V в. н. э.

Этот процесс разворачивания и сворачивания свитка мог длиться несколько часов. Тайна китайского шелка и по сей день тщательно охраняется производителями. Тема человека представлена в пейзажной живописи весьма многообразно: это и отдельные фигуры людей, занятых разными делами (земледельцы, торговцы путешественники, рыбаки, отшельники) и многообразные архитектурные постройки (отдельные хижины, посёлки, лодочные пристани, монастырские постройки) и следы человеческой жизнедеятельности (дороги, мосты) и пр. С одной стороны, пейзажи в технике гунби (тщательная кисть) – а особенно если это монументальное вертикальное или многометровое горизонтальное полотно – писались подолгу иногда – по нескольку месяцев.

Как нарисовать быстрый пейзаж в японском стиле в технике двойного мазка

Насладившись тонкостями создания изображения на микроуровне, зритель снова возвращался к пейзажу в целом, но теперь взгляд на картину подразумевал уже всю ту информацию, которая была получена на разных уровнях «включения» в изображение. Концепция «инь-ян», ставшая базовой для всей китайской культуры изначально формулировалась в рамках одноимённой школы «инь-ян-цзя» (VI – IV вв. Традиционный японский пейзаж – горы. Таким образом, если в русле одного из традиционных китайских представлений о Вселенной, мир понимается как результат бесчисленных многообразных взаимодействий между силами «ян» и «инь», то пейзаж – картина «гор и вод» – является наглядным тому примером. Речь идёт о «трёх далях» () картины «гор и вод».

К классу «вода» относятся все объекты, представляющие воду в её различных физических состояниях: реки и горные потоки, ручьи и водопады, снег и покрытые льдом речные поверхности, облака и туманы – непременный для пейзажной живописи и очень значимый живописный мотив. А если рисуют опадающие лепестки – картина вызывает восхищение грустной красотой. «Ножки-лотосы» в те времена считались очень сексуальными. Декоративность – именно то, что отличает японские картины от искусства всего мира. Диалог шёл как минимум по двум уровням: зритель считывал, КАК написано и ЧТО написано. Пекин – второй по величине город страны после Шанхая. Согласно древней китайской легенде, чай был открыт в 2737 году до н. э.

В Китае находится самая большая плотина в мире. Принцип трёх далей определяет очень значимую для китайской пейзажной живописи особенность – нефиксированность позиции зрителя. На определённых этапах развития китайского традиционного пейзажа существовали внушительные пособия по живописи, в которых подробно описывалось и прорисовывалось, КАК (какими штрихами, пятнами, точками) дОлжно выписывать те или иные природные объекты. Китайцы начали изготавливать шелк, как минимум, с 3000 года до н. э.

Художественные картины китайских мастеров

В разные времена столица Китая носила разные названия. В чём же заключается графичность такого искусства, как японская живопись. Историки предполагают, что с увеличением китайского населения люди вынуждены были придумать способ «здорового» приготовления пищи, при котором в продуктах сохранялся бы максимум полезных веществ. Япония – одна из самых богатых историей и культурой держав. Отсюда произошла «традиция» китайской кухни в измельчении пищи на маленькие кусочки, чтобы блюда готовились как можно быстрее. «Вода» в свою очередь – это отображение пассивного начала «инь»: «вода» всегда движется вниз, её динамика всегда подчинена особенностям сложившейся ситуации.

Вместе с тем «гора» – это и всё то, что на горе расположено и её динамике подчиняется: это камни, отдельные скалы, деревья, травы, кустарники, то есть горная растительность, равнинные прилегающие к горе участки и т. д. «Гора» – это альтернативное обозначение активной силы «ян»: гора направлена вверх, это символ восходящего янского движения. Особенно это касается длинных горизонтальных свитков. Римляне именовали Китай «Землей пути» («Serica»).

весенние пейзажи в японской живописи

Техника исполнения японских картин настолько высока, что может служить примером по работе с акварелью и выполнению «отмывки» графических работ. В 130-м году н. э. Модель с течением времени претерпевала изменения, те или иные аспекты её устройства и принципы работы акцентировались или наоборот «уходили в туман», но закреплённое в теоретических трактатах отношение к пейзажу как к образу мира сохранялось. Китайский традиционный пейзаж не писался с натуры.

Это священный цветок используемый даосами и буддистами. Но движение – разворачивание пространства и соответственно движение взгляда зрителя – тем не менее эти многочисленные и сложные связи обеспечивает. Жителями Китая широко используется цветочная символика – пион является символом весны, его называют «королем цветов», хризантема символизирует долгую жизнь, нарциссы, по верованиям китайцев, приносит удачу. художником и теоретиком по имени Се Хэ – закону о соответствии изображения роду вещей. Красиво смотрятся картины с изображением гор и цветущей сакуры.

Китай: Великолепные пейзажи Китая (фото)

императором Шэнь-нунем (Shennong). Длинные ногти считались в Китае признаком благородства и высокого статуса. Раньше главный город Поднебесной был известен миру как Яньцзин, Даду и Бэйпин. Вот таким образом ценные свитки хранились в специальных помещениях в специальных футлярах. Контраст в атмосфере картины – ещё одно замечательное качество японской культуры.

Зато сложилась весьма своеобразная концепция выстраивания пространства в пейзажном свитке. У всех предметов в композиции обязательно есть контур. Обычай связывания ног («золотые лилии») был популярен среди женщин-артисток и членов китайского суда во время династии Сун (960-1279 н. э. ).

Современные жители Китая считают чай неотъемлемой, необходимой частью своей жизни. Вот таким образом на китайских картинах, представляющих «горы и воды», всегда и непременно звучит и тема Человека, Человека с большой буквы, который занимает причитающееся ему, должное место между Небом и Землёй – меж вод и гор. Произошло это случайно, когда ароматные листья попали в царскую чашку с горячей водой. Лотос – символ чистоты и непорочности в Китае. Это очень интересная тема, но сложная – здесь мы её касаться не будем.

Картина панно рисунок Мастер-класс Педагогический опыт Рисование и живопись Японский пейзаж Гуашь

Единственное, что остаётся неизменным – обязательное присутствие цветов. В Китае не принято было хранить свитки в вывешенном состоянии. Всех, кто был пойман за контрабанду коконов или бабочек шелкопряда, приговаривали к смерти. А затем в обратную сторону – слева направо.

Поверье ЭТО ЛЕГКО научиться РИСОВАТЬ Влог

Машина обнаруживала и указывала локацию землетрясения. Хотя изобретателем парашюта официально признан Леонардо да Винчи (1452 – 1519), сохранились исторические сведения об использовании китайцами воздушных змеев, привязываемых к спине человека. Это понятие сформулировал и развил уже упоминавшийся художник и теоретик XI века Го Си.

Рисуем герб России легко. Пошаговая инструкция

Доброго времени суток, дорогие гости и Сегодня!

друзья мы пройдем поэтапный урок рисования Российской герба Федерации. Урок большой, но если пошаговой следовать инструкции и не торопиться, то тогда у вас получится все. Итак, статья поделена на 21 шаг. За шаги эти мы не только нарисуем герб России, но и Герб.

раскрасим России — важная атрибутика нашей Помимо. страны герба в каждой стране также быть должен гимн и флаг, что подчеркивает независимость и уникальность. Герб России олицетворяет отвагу, просвещение духовное и стремление к победе.

Чтобы пройти урок этот рисования, то сперва найдем пару свободного часов времени и альбомный лист бумаги с инструментами творческими:

  • Простой и цветные карандаши;
  • Ластик и Альбомный;
  • точилка лист бумаги

1. На весь альбомный бумаги лист нарисуем вспомогательный квадрат. И так этот как элемент вспомогательный, то не стоит давить простой на сильно карандаш в руке.

2. Разделяем квадрат линией вертикальной ровно посередине.

КОСМОС |Рисуем очень просто✌Гуашь��

3. На вертикальной и вспомогательной нарисуем линии щит герба России.

4. С правой нашего стороны рисунка сделаем приблизительный набросок поднятым с орла крылом.

5. Начинаем детализировать нашу Наверху. работу добавим глаз и прорисуем клюв. внимательно Смотрите на картинку под текстом и повторяйте за точь мной-в-точь!

6. Орел на гербе имеет число большое перьев, которые сейчас и нарисуем голове на поэтапно и шее. Не торопитесь!

7. Переходим непосредственно к крыльев прорисовке. Сначала добавим первый слой Дорисовываем.

Как рисовать ромашку акрилом. Техника двойного мазка.One-stroke daisy in acrylic.

8. перьев второй ряд перьев, что острее и длиннее предыдущих.

9. Осталось нарисовать еще ряд один. Но не заходите сильно за вспомогательный элемент, шаге на 4 нарисованный поэтапного урока рисования герба Федерации Российской с пошаговой инструкцией.

10. Начертим на каждом крыла перышке маленькие линии.

11. Опускаемся вниз и оперенные нарисуем ноги.

12. Что нам осталось нашу на добавить работу? Да, нам необходимо нарисовать красивый и еще хвост.

13. Мы проделали большую работу, но не расслабляться время. Теперь нужно нарисовать второго Проделываем. орла ту же работу, что мы начали на 4 шаге, но зеркальном в только отражении.

14. Основная часть готова! отсюда Начиная, мы будем добавлять маленькие, но важные нашей на детали творческой работе. Итак, рисуем острыми с лапы когтями.

15. Внутри щита, нарисованного на 3 поэтапного шаге урока рисования, нарисуем лошадь. А в положим лапы скипетр и державу.

16. Нарисуем всадника Победоносца Георгия с длинным копьем.

17. Рисуем змеевидное под существо копытами лошади.

18. Поднимаемся к началу рисунка нашего. Раз у нашего двухголового орла королевский есть скипетр и державу, то надо нарисовать и для. Но корону начала добавим ленту на головах Хоть.

19. орлов у нашего орла и две головы, но корон количество будет превышать. Сначала прорисуем их на потом, а голове посередине. После чего уберем вспомогательные ластиком элементы.

20. Достаем пачку цветных Закрашиваем. карандашей красным цветным карандашом щит плащ, посередине зальем синим оттенком, а змеевидное зальем существо черным цветом.

21. Берем в руки желтый-ярко цветной карандаш и закрасим все элементы оставшиеся.

Вот и все, дорогие художники! На ноте этой я заканчиваю поэтапный урок рисования России герба с пошаговой инструкцией. Надеюсь, что у получился вас красивый рисунок. Буду рада повторному вашему визиту на мой сайт Blog Хотите.

P.S.

frankenstein прокачать не только навыки рисования, но и английского уровень языка? Тогда рекомендую онлайн-Skype по школу. После прохождения интересных уроков и сильными с общения преподавателями, то вы будете чувствовать себя уверенными более в других странах, а выбор профессий увеличится резко.